Le coin de l'écran

Locarno: la leçon d’élégance salace du «Smiling Lieutenant»

 Quand on désespère du cinéma, une seule adresse: la rétrospective Lubitsch. Quel bonheur de retrouver tout ce qui fait étrangement défaut aux cinéastes contemporains. De l’élégance, de la légèreté, un sens de la mise en scène et de la direction d’acteurs exceptionnels, l’art du sous-entendu.

The Smiling Lieutenant se déroule dans une Vienne d’opérette. Le lieutenant Niki (Maurice Chevalier) mène une vie oisive  et multiplie les conquêtes féminines. Il s’éprend de Franzi (Claudette Colbert), une ravissante brunette, violoniste de son état. Mais un jour, la princesse Anna du Flausenthurm (Miriam Hopkins) surprend l’œillade que le souriant lieutenant adresse à sa chérie. L’oie blanche pense que le clin d’œil lui était adressé. S’ensuivent un mariage forcé, des malentendus, des ambiguïtés, des sentiments incertains et un happy end en demies teintes.

Les personnages de Lubitsch ne pensent qu’au sexe. Lorsque Momo chante «Ratatatata», cette onomatopée désuète renvoie moins au clairon militaire qu’à la chevauchée sur matelas. Mais jamais la caméra de Lubitsch ne pénètre dans la chambre à coucher. Le réalisateur cultive l’allusion grivoise et la métaphore coquine. A Nikki, pressé de la revoir, Franzi propose de dîner le lendemain. J’ai trop faim pour attendre jusque là, répond-il. Alors elle accepte le petit déjeuner. Fondu au noir, et c’est le matin, suivant. Les amants tout neufs croquent avec gourmandise leurs viennoiseries. Momo grasseye «Tu mets du glamour dans le grapefruit Tu mets de la magie dans les muffins», et tout est dit. La nuit de stupre est laissée à l’imagination du spectateur. Et lorsque la princesse Anna, qui a fini par comprendre comment on vampe un homme, suggère une partie de dames au lieutenant souriant, elle n’a qu’un désir : qu’il jette au loin ce damier et prenne sa dame…

Christophe Honoré qui dans Homme au Bain cadre serré la sodomie devrait aller voir The Smiling Lieutenant. Et méditer ce jugement d’un critique, citée par Joseph McBride, curateur de la rétrospective Lubitsch: «En ces temps, le beurre était sur le toast et non dans le cul».

 

Locarno: rendez-vous avec Chiara Mastroianni

 
 
 

Outre sa trivialité, son indigence scénaristique et sa misogynie latente, Homme au Bain, de Christophe Honoré, a pour pire défaut de maltraiter Chiara Mastroianni. Elle est floue, décadrée, secouée par la brute gay. Par chance, l’actrice est venue à Locarno recevoir un prix d’excellence. Le public a pu la voir en beauté au Spazio Cinema.

Elle est évidemment superbe, gorgeous dirait-on dans le monde du cinéma américain qu’elle aime tant. Elle a une allure de madone, mais une voix un peu rauque de fumeuse, son franc-parler de femme que l’on devine curieuse et gourmande, de frangine qui ne se prend pas au sérieux. Elle le dit volontiers «J’ai une forme de naïveté. Enfin, je suis un peu con des fois». Fille de deux grandes stars, elle n’a pas la grosse tête, connaît des moments de découragement. A l’animateur qui lui demande «Tu es quelqu’un qui doute beaucoup?», elle répond du tac au tac «Tu crois?».

Elle adore voir des films. Elle ne pourrait concevoir l’existence sans le cinéma et la musique. «Regarder des films, c’est tellement intense, cela me permet d’échapper au réel. Non que le réel me déplaise…». C’est de sa mère qu’elle tient sa cinéphilie – son père ne l’était pas du tout. Lorsqu’il ne travaillait pas, ce qui était rare, il aimait faire la sieste et rêver.

Catherine Deneuve en revanche lui a donné le goût du cinéma. Elle était très stricte sur les heures de coucher - sauf quand il y avait le ciné-club à la télévision. Ainsi, dès ses plus tendres années, Chiara a associé le cinéma à la transgression. Ce sentiment délectable s’est exacerbé le jour où sa mère l’a emmené voir Le Bal des Vampires de Polanski et que la caissière a refusé de vendre des billets, au motif que Chiara n’avait pas l’âge légal. La grande Catherine s’est fâchée et a eu gain de cause. Aujourd’hui encore la comédienne n’en revient pas que sa mère l’eût autorisée à voir quelque chose d’interdit…

A la télévision, elle a appris à apprécier Capra, Preminger et Hitchcock qui, non content de développer des intrigues fortes, met en scène des héros défaillants. Grace Kelly et Cary Grant la faisaient plus rêver que Catherine Deneuve et Marcello Mastroianni. Elle confesse de «terribles lacunes» en matière de cinéma français. A 8 ans, elle a tenu un petit rôle dans La Cité des Femmes de Fellini, «l’ami, le patron de papa» . La panouille est coupée au montage, «une bonne leçon d’humilité».

C’est Melvil Poupaud, son copain d’école, qui l’a incitée à devenir comédienne, au grand dam de Catherine Deneuve. Son premier rôle important a été dans Ma Saison préférée. Depuis, elle a illuminé le cinéma d’une nouvelle génération d’auteurs français, Arnaud Desplechin (Un Conte de Noël), Xavier Beauvois (N’oublie pas que tu vas mourir) et même Honoré, qui ne mérite pas cet honneur (Chansons d’Amour)…

Devant le FEVI, un écran LED diffuse dans le vide la rencontre de Chiara et du public. Pixellisé, aplati par le soleil, le beau visage de la comédienne se fait irréel. Derrière, de moches locatifs. Dessous, un parking, un gazon desséché. Pendant un instant, on se croirait chez Fellini. Un chapitre inédit de La Cité des Femmes, Big Sister dans une banlieue déserte écrabouillé d’ennui estivale. Et ce fragment de film imaginaire que suscite Chiara Mastroianni vaut tous les Homo Bin du monde.

 

Locarno: «Hugo Koblet-Pédaleur de charme» et «Homme au Bain», une affaire braquets et de braquemarts

 
Dans la vie, il y ceux qui pédalent et ceux qui réfléchissent. Ceux qui aiment le cyclisme et ceux qui aiment la littérature. Ceux qui sont fous de Hugo Koblet – Pédaleur de charme et ceux qui, en matière de grandes figures helvétiques, ont préféré les documentaires consacrés à Max Frisch ou Max Bill.

Le nom de Hugo Koblet met les larmes aux yeux des premiers tandis que les seconds creusent au fond de leur mémoire pour savoir s’il était le fiancé de Betty Bossi dans les années 50. Ils apprennent avec Daniel von Aarburg qu’il était un champion cycliste de légende, fils de pâtissier qui remporta le Tour d’Italie et le Tour de France dans les années 50.

Les fous de la Petite Reine forment une secte étrange qui se rase les mollets, porte des vêtements fluo et parle de «dramaturgie » en évoquant les courses cyclistes. Les non-initiés ont beau écarquiller les yeux, ils ne voient qu’un pauvre type ahanant sur un deux roues. Quelque chose doit leur échapper puisque même Jacqueline Veuve consacre avec C’était hier, un film au souvenir d’un jour de l’été 1937 lorsque le Tour de Suisse est passé par Lucens. Daniel von Aarburg opte pour une approche mixte, documentaire + fiction, de la légende de Koblet, l’homme qui termina le tour de France avec 22 minutes d’avance sur le deuxième. Trop rapide, il finit comme Camus, mais sans laisser La Chute, aplati contre un platane. Il avait 39 ans.

Les bandes d’archives retracent en noir et blanc une épopée rappelant qu’il fut un temps où le sport restait une activité d’amateurs – même si le dopage, absolument légal, faisait déjà des ravages. Un mégashoot d’amphétamine faillit faire exploser le cœur du Pédaleur de charme. Ma vieille maman suivait le Tour de France à la télévision, non pour la compétition, mais «pour les paysages»; on ne les voit pas assez dans ces reportages d'antan. Le cinéaste a retrouvé les compagnons de Koblet, dont le légendaire Ferdi Kubler (à ne pas confondre avec Freddy Kruger, pour ceux qui prennent des notes), qui va allégrement sur ses 90 ans. Sinon, il recrée dans la plus pure tradition du biopic (gloire et déchéance, pas de rédemption…) quelques scènes clé de la vie de Hugo Coblet : le premier trophée, les filles dont il était gourmand, le shoot fatal, la pâtisserie familiale, le garage Agip où il travaillait après avoir raccroché sa bécane. De jolies images pastel d’une Suisse idéalisée où les filles étaient mutines et les gâteaux alléchants.

 A propos de pédales, Christophe Honoré présente Homme au Bain en compétition officielle. Le jeune cinéaste français nous a charmés avec des films comme Non ma fille tu n’iras pas danser ou ce musical mélancolique qu’est Les Chansons d’amour. La constante homosexuelle de ces premières œuvres se répand lourdement dans ce porno gay auteuriste parfaitement insupportable. Le film se construit autour de François Sagat, «fantasme homo érotique numéro 1» selon Les Inrockuptibles. Pour les hétéros, ce métis bodybuildé fait plutôt pense à Pascal Brutal, le héros de Riad Sattouf – en moins drôle. Sagat, qui tient le rôle principal dans LA.Zombie, se montre à poil sous toutes les coutures et nous rassure : sa bite est moins longue que dans le porno gore de Bruce Labruce, et ne se termine pas en ergot. Il s’en sert toutefois  abondamment.

Le film commence avec une jolie scène d’amour. Omar, cinéaste, car il y a toujours un cinéaste dans le cinéma d’auteur, part présenter un film à New York. Il fait la bise à son compagnon, Emmanuel. Mais celui-ci, homme de passion, le retourne et crac ! il l’encule, sans penser qu’il aurait pu rater l’avion. Enfin, ça n’a pas pris des heures, quelques secondes suffisent à la Bête pour se vider les glandes. A la fenêtre, il regarde son amoureux s’éloigner en le traitant de ccnnard, d’enculé (ce qui ne manque pas d’ironie), de salope...

Après cette très chouette scène d’introduction Emmanuel fait un peu de ménage. Il danse en tenant le balai comme une hampe phallique. Puis s’invite chez le voisin du dessus pour lui proposer un petit coup tarifé, mais il se contentent d’écouter une chanson d’amour d’Aznavour (minute tendresse). Puis Emmanuel pratique un petit coup de triolisme homo, se tape un copain, puis enfile un petit jeune. Il y a de très belles scènes de genre. Les amants se flairent le cul comme des clébards. Il rase amoureusement la raie culière de son giton, écrit «BITCH !» sur son slip blanc en faisant coïncider le point du point d’exclamation avec la cible de son insatiable désir, mais lui administre aussi une bonne fessée. Pas de scénario dans Homme au Bain, juste une succession de rencontres et de pénétrations, ce qui constitue l’essence même du film porno. Honoré évite juste les gros plans pour assurer le vernis de respectabilité.

Quant aux femmes, elles sont inexistantes. La belle Chiara Mastroianni est filmée fragmentairement, de traviole, toute floue, secouée par Sagat la brute. Une autre femme a doit à une petite scène au cours de laquelle, comparant son cul avec celui d’Emmanuel, elle regrette que les fesses féminines soient flasques… Bon, qu’ils jouent aux jeux de l’amour en inversant les rôles nous chaut peu, qu’ils en fassent des films pour se branler entre eux, grand bien leur fasse, mais pourquoi ces drôles doivent-ils affirmer leur identité sexuelle jusqu’à la détestation, la négation des femmes ?

Locarno: rions un peu au Monte Verita

 

Locarno: renouveau et risotto au Monte Verità

 Didier Burkhalter, accompagné de sa femme, et le clown Dimitri

 

On sait que le Monte Verità, au-dessus de Locarno est un lieu bénit par les dieux depuis la plus haute antiquité. Nous ne reviendrons donc pas sur les arbres splendides, châtaigniers, araucarias, ses tulipiers, des cette oasis de verdure aux ombres paisibles, ni à s riche histoire culturelle qui va de Thomas Mann à Hugo Pratt. Aujourd’hui a lieu le traditionnel raout où le monde politique suisse enfile ses habits de lin pour un déjeuner champêtre qui, soit dit en passant est une hérésie en matière de diététique puisqu’avant le succulent risotto tant apprécié de Couchepin on sert un plat de spécialités tessinoises dont le taux de lipides frôle le code, suivi d’une humble tourte à la crème.

A propos de Couchepin, et bien c’est fini, il n’est plus conseiller fédéral et il ne met plus le feu au festival avec son verbe haut et ses âmes damnées, Jean-Frédéric Jauslin, directeur de l’Office Fédéral de la Culture, et Nicolas Bideau, démissionnaire de son poste à la Section cinéma. D’ailleurs les deux hommes ne regardent plus dans la même direction, comme le montre notre photo…

 Les temps changent. Olivier Père succède à Frédéric Maire, Didier Burkhalter à Pascal Couchepin, plus rien ne sera jamais comme avant et une ombre de nostalgie passe sur le Monté Verità.

Ah si ! Il y a un homme qui résiste aux tempêtes, dressé fièrement à la proue du Festival ; Marco Solari. «Le temps des discours est révolu», nous disait-il l’autre jour dans la rue. Le président ne s’embarrasse plus de circonlocution. En quelques minutes, il s’adresse à Burkhalter pour rappeler que le Festival n’est pas qu’une vitrine pour Locarno ou le Tessin, mais pour la Suisse entière, et que cette lutte pour la qualité artistique et la reconnaissance internationale a un prix.

Il cite aussi Proust citant Hugo, selon lequel «il faut que l’herbe pousse et que les enfants meurent». La parabole hugolienne reste un peu obscure. Certes l’herbe du renouveau doit pousser (à moins, comme le suggère malicieusement un politicien vaudois, qu’il ne s’agisse du cannabis dont il appelle à la dépénalisation) ; mais qui sont les enfants morts? Les anciens directeurs artistiques (Frédéric Maire et Irena Bignardi sont attablés). Et à quoi servent-ils? De compost à gazon?

Les orateurs s’étaient promis de ne pas dépasser quatre minutes. Tout à son plaisir de découvrir les joies de Locarno, Didier Burkhalter outrepasse allégrement ce temps imparti. Délaissant un instant sa chère moitié, habillée d’un tissu rose qui ne déparerait pas Hugo Koblet pédaleur de charme, le nouveau conseiller fédéral en charge du département de la culture commence par rappeler son amour du cinéma. Il célèbre la capacité du 7^e art à faire  émerger des sentiments forts, personnels, et aussi un peu d’histoire et de culture».

Drôle de discours, tranchant forcément avec les propos à l’emporte-pièce de son prédécesseur. Le Neuchâtelois alterne quelques truismes oecuméniques et acratopèges avec un humour bizarre, une ironie déroutante. Il rappelle que le point culminant du Monte Verità est plus bas que le niveau du lac de Neuchâtel. Il dit de Solari qu’il n’est pas seulement un homme de Piazza mais aussi de passion grande. Olivier Père est un pêcheur de talents «d’où son trait pour les festivals au bord de l’eau (il a passé de Cannes à Locarno…). Il estime encore que Locarno est un endroit d’ouverture aux arts de la politique, des arts et de la table et, continuant à tresser la métaphore culinaires, cite un film dans lequel on donne le secret de la gastronomie française: «Du beurre, du beurre, du beurre». Il s’agit vraisemblablement de La Cuisine au Beurre, avec Bourvil et Fernandel, car on ne met pas tant de beurre que ça dans le Poulet au Vinaigre. Quant au vilain qui suggère Le Dernier Tango à Paris, et bien il devrait avoir honte !

Bon, une fois rappelé que le secret d’un bon risotto est dans la cuisson, et c’est aussi le secret de la politique et du cinéma (zzzz….), l’orateur passe au plat de résistance. Il évoque le nouvelle loi sur la culture, garantissant les vertus de plurilinguisme et de pluriculturelle qui font la force de la Suisse, souligne l’importance de l’alphabétisation pour l’intégration et la démocratie, encourage les échanges scolaires e prédit des partenariats toujours plus féconds entre le privé et le public.

Il revient au cinéma. Il s’émerveille que les films aient «la capacité de nous transporter dans un autre univers», et se demande «si la vie elle-même n’est pas un film?». Oh oh, Dick le visionnaire aurait-il déteint sur le conseiller fédéral ? «J’aime les films et les arts autant que la vie. Ils font rire et pleurer. Un bon film ne laisse jamais indifférent. Comme disait Cocteau, la pellicule est un «ruban de rêve”»… Attention de ne pas marcher sur les plates-bandes d’Inception…

Enfin, il parle de politique culturelle. Neue Anfang pour l’OFC: « On souhaite que la Confédération ait un rôle important, mais on a remarqué que les cinéastes souffrent lorsqu’elle joue le rôle des vedettes. Le rôle principal appartient pleinement au monde du cinéma». Autrement dit, si l’on se hasarde une dernière fois du côté du populaire de qualité prôné par Bideau, «si la qualité est au rendez-vous, ce sera la vôtre ». Sur ce Burkhalter entend se donner le temps nécessaire, car la politique culturelle est comme le risotto, alors nous aurons des films aussi beaux que ce paysage tessinois».

Beaux films, beau risotto, belle vue sur la Lac majeur, la vie est belle. Si l'on osait rajouter un point aux visions d'avenir évoquées par Didier Burkhalter, on pourrait dire que s’il y avait plus d’amour sur terre, tout serait plus facile.

 
 

 

Locarno n’engendre pas la morosité

La semaine dernière, L’Hebdo publiait un remarquable questionnaire permettant au lecteur de tester ses connaissances en matière de suisse. Voici, en exclusivité mondiale sur le blog, une question complémentaire :

  

Lequel de ces deux hommes fait profession de clown?

 

Avec un peu de patience et de sagacité, vous trouverez sans problème.

Bon amusement

Locarno: éblouissante supériorité de Lubitsch

 

Renouant avec la tradition des rétrospectives, le festival de Locarno propose cette année une quasi intégrale de l’œuvre d’Ernst Lubitsch. En picorant quelques films du maître de la comédie hollywoodiennes au hasard du temps libre, on complète une culture cinématographiques forcément parcellaire, on s’émerveille de la fraicheur de ces œuvres en tout cas sexagénaires et on aboutit à quelques conclusions en défaveur du cinéma contemporain.

Rosita (1923) est un film extrêmement rare (il est projeté avec des intertitres en russe, car c’est une des rares copies qui subsiste) et forcément méconnu. Mary Pickford, qui avait fait venir Lubitsch à Hollywood depuis l’Allemagne, avait une dent contre ce film qu’elle aurait aimé détruire, en dépit de son succès. Mary Pickford est une adorable actrice, mais elle manquait de discernement: Rosita, histoire d’une chanteuse des rues appelée à la cour du roi d’Espagne, s’avère extrêmement drôle et enlevé. On observe que la véracité historique n’est pas la principale préoccupation du metteur en scène. Cette une Espagne de pacotille, largement fantasmatique qu’il présente ; l’essentiel réside ailleurs: dans le rythme, dans la force de l’image, dans la direction d’acteur. La scène dans laquelle toute la famille de Rosita, chien compris, se serre dans le carrosse royal en partance pour la vie de château, est irrésistible.

 That Uncertain Feeling (1941) est d’une autre facture. Une comédie sentimentale d’un extrême raffinement doublé d’une fine analyse psychologique et d’une parfaite satire sociale. L’exquise Jill (Merle Oberon) consulte un éminent psychanalyste, car elle souffre de crise de hoquet. Le médecin diagnostique un problème conjugale : elle se récrie. Elle est inconditionnellement heureuse auprès de Larry (Melvyn Douglas), qui a réussi dans le marché des assurances. Lorsqu’elle rencontre Alexander Sebastian (Burgess Meredith), brillant pianiste et misanthrope affirmé, la perfection de son mariage se craquelle. La bourgeoise succombe au charme ténébreux de l’artiste. Le mari délaissé va s’avérer plus fin qu’on ne l’eût imaginé dans ses manœuvres de reconquête tandis que le petit Beethoven devient vite insupportable.

Parfaitement subversif dans ses décors luxueux (voir le repas pour la fusion de deux compagnies, Universal Matelas et Meubles Réunis!),jamais scabreux, That Uncertain Feeling nous grise de son élégance. La mise en scène est d’une fluidité invraisemblable, le jeu des comédiens, sans ostentation mais d’une justesse prodigieuse, surtout lorsqu’il s’agit d’exprimer l’ambiguïté des sentiments, laisse pantois. Olivier Père rappelle que l’héritage de Lubitsch es universel et sans doute discernable dans certaines comédies projetés à Locarno. Sans doute, mais cette persistance d’un humour subtil ne nous a pas encore frappés. La tendance, pour l’instant, est plutôt au drame sociologique. Et lorsque l’humour s’en mêle, comme dans Køngavegur, de Valdis Oskarsdottir (Islande), qui narre la crise économique islandaise à travers une série de laissés pour compte échoués dans un camping boueux, cela ne va pas sans force vomissements et cris.

 Cette vipère de Mary Pickford insinuait que Lubitsch était obsédé par les portes et qu’il ne savait filmer que ça. C’est vrai que dans That Uncertain Feeling, la porte se pose en métaphore de la communication. Mary Pickford aurait dû voir Rammbock , de Marvin Kren, ersatz berlinois de Je suis une légende. Un virus change soudain les 9/10 de la population en zombies cannibales (pffff… quel ennui… encore des zombies). Les citoyens épargnés par l’épidémie se réfugient dans les appartements supérieurs d’un immeuble où ils passent leur temps à claquer des portes aux nez des mutants affamés ou de les barricader, de percer des murs ou de rabattre des trappes. Le réalisateur de ce petit film d’horreur est visiblement obsédé par les portes. Mai on ne peut guère lui concéder la Lubitsch’s touch. A moins que les retrouvailles in fine de deux amoureux que la vie vait séparés mais que le zombisme réuni dans une étreinte baveuse et pleine de dents soit une forme d’humour…

 

Locarno: «Songs of Love and Hate»

 

«Well I stepped into an avalanche It covered up my soul»… 

Qui, adolescent, n’a pas écouté des nuits durant  Songs of Love and Hate en pensant au suicide, est à considérer avec méfiance. Un film qui porte le titre du plus sombre et du plus lumineux des albums de Leonard Cohen attire comme une ampoule allumée attire une phalène. On y court sans réfléchir et…

… La leçon du jour porte sur deux points : 1. Avant d’entrer dans la salle, il faut lire le catalogue officiel (tout en couleur et d’un format réduit cette année, très joli, très pratique) 2. La puissance de l’imagination est sans limite.

Une chose est sire : nul n’échangera jamais son vieux vinyle tout râpé du Canadien sépulcral contre un dvd flambant neuf du film de Katalin Gödrös. L’action se déroule dans un domaine viticole un peu alpin, qu’on situe d’emblée du côté du Tyrol. D’ailleurs les tourments sexuels que connaissent le vigneron, découvrant troublé que sa fille aînée, Lili, n’est plus une petite fille, de sa femme délaissée, de la fille cadette, Robi, qui en pince pour la voisine, et encore de l’ouvrier agricole aimerait bien se taper la patronne évoquent le malaise autrichien que Michael Haneke dissèque depuis des années. Les chansons d’amour et de haine s’organisent autour de Lili. Elle est consciente de ses charmes, insolente, cruelle. Elle commence par mettre du sel sur une limace, elle flanque un coup de boule au voisin paralytique, elle noie le chien, elle brise le cœur de son petit copain et pis encore… Autriche, mère blafarde. Les protagonistes parlent d’ailleurs un dialecte germanique hermétique et le vigneron boit son vin à grands traits, comme s’il était pressé d’en finir avec cette piquette typique des vignobles de Carinthie. Au dernier plan, un détail cloche : on découvre deux palmiers devant la ferme. Bon, c’est l’influence d’Inception, Robi et Lili ont rêvé ce cauchemar mollasson emblématique de la patrie de Fritzl et elles sont en train de se réveiller sur les bords du Lac Majeur.

On croise dans la rue une excellente consœur qui lance «Et le film suisse, tu l’as vu ?». Lequel ? «Mais oui ce machin glauque au Tessin ». Au Tessin ? L’astucieuse Philippa a observé que les plaques minéralogiques dans Songs… étaient tessinoises. Accessoirement, elle avait lu le catalogue avant d’interviewer la réalisatrice, Katalin Gödrös, Hongroise de Zurich. Gasp.

Voilà, le Tessin peut servir de décor à des téléfilms glauques et honte à ceux qui prennent la patrie de Thomas Bernhard pour le biotope du nauséeux du mal de vivre.

Locarno: attention au «LA Zombie»

 J’ai vu un certain nombre de films dans ma vie. Des chefs-d’œuvre, et des navets, des westerns, des séries Z, des trucs bizarres qui passent après minuit sur des chaines de télévision lointaines. Mais je navais jamais vu de film de zombies gay.  Merci donc au Festival de Locarno de combler cette carence puisqu’il a invité Bruce LaBruce, ce cinéaste canadien adepte de la culture queer, à présenter en Compétion officielle LA. Zombie.

Une créature chauve, dont les teintes oscillent entre le vert cadavérique et le violâtre émerge de l’océan. Ses dents sont immenses et pointues, son pénis bien davantage encore. Il recherche des gens (mâles, of course) décédés de mort violente. Alors, sortant de sa braguette un braquemart mahousse qui se termine en pointe, comme la queue d’un scorpion, il pénètre le défunt par la plus béante de ses plaies et le pine vigoureusement, avant de lui défoutre sur la figure et sa semence violine lui dessine un glaçage d’amareno sur une coupe glacée. Miracle de la fornication : le mort revient à la vie.

Le Zombie se tape ainsi un accidenté de la route (une laie au cœur), un criminel en col blanc atteint d’un balle au bas de la colonne (impliquant une position proche de la sodomie classique, un peu décevant donc), un SDF au front explosé en cratère sanglant. Plus tard, il va s’en prendre à une clique de culturistes en tain de s’adonner aux joies de la golden shower, mais j’avais quitté la salle avent qu’il ne pratiquât l’intromission de son membre viril dans un orifice de fortune lubrifié de sanie sanglante…

Bon. Métaphore de l’aliénation urbaine, manifeste gay déconnant, d’accord LA. Zombie est indéniablement tout ça. Mais ce porno gore est avant tout un spectacle à soulever le cœur. Pour une fois que j'allais voir un film de zombie gay...

Locarno: sur la Piazza, «Au fond des bois»

 Tonight’s the night, c’est le grand soir pour Olivier Père. Sa première Piazza. Un événement qu’on ne peut pas rater. Et le nouveau directeur artistique est légitimement fier de proposer en première mondiale Au fond des bois, de Benoit Jacquot. Un cinéaste indéniablement talentueux, dont l’inspiration doit au théâtre et à la littérature (Villa Amalia  d’après Pascal Quignard, Adolphe d’après Benjamin Constant). L’amour reste le thème dominant de son œuvre, fût-il extrême comme dans Sade ou dans ce nouvel opus étrenné sous les étoiles du Tessin. L’attente est grande.

Mais Au Fond des Bois peine à séduire un public par ailleurs épars. En 1865, dans le sud de la France, un vagabond sourd et muet demande gîte et pitance à un bon docteur. Son hôte a une fille, Joséphine, dont la beauté pâle le transporte. Se souvenant de la terrible leçon que les gueux de Viridiana (Luis Buñuel) donnaient à leurs hôtes imbus de générosité chrétienne, celui qui se présente entre autres forfanteries comme le fils de Dieu se fait une idée toute personnelle de l’Annonciation: il culbute le vierge sr la table de la cuisine.

Sur ce, il s’en retourne au fond des bois d’où il est issu, ce macaque velu aux dents noires. Elle le suit. Elle réclame d’autres outrages. Elle se damne, elle se brûle pour lui. Un peu sorcier, il la magnétise avant de la prendre. Parfois, la raison semble l’emporter mais, syndrome de Stockholm sur le Causse, toujours Joséphine revient auprès de Timothée, son ravisseur crasseux.

C’est La Belle et la Bête avec L’Enfant sauvage dans le rôle de la Bête et le rut en guise d’amour courtois. C’est du cinéma d'autteur fait pour choquer le bourgeois (elle vole un pain et un chapelet, quelle hérésie…), mais qui arrive bien tard pour produire autre chose qu’une sorte d’ennui distingué, teinté du malaise qu’engendre inexorablement le spectacle de l’innocence avilie et de la mutilation consentie (branding subi dans une pose extatique…). La nature automnale est magnifique, les deux comédiens le sont moins, choc improbable d’un mecton simiesque (Nahuel Perez Biscayart) et d’une grande nouille à la blondeur diaphane (Isild Le Besco, révélée il y a dix ans par Jacquot dans Sade). La première soirée sur la Piazza aurait pu être plus enthousiasmante.